quarta-feira, 22 de março de 2017

T2 Trainspotting

(UK, 2016) Direção: Danny Boyle. Com Ewan McGregor, Ewen Bremner, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller.


Por João Paulo Barreto

Vinte anos é bastante tempo. Eu ainda estava no curso ginasial há vinte anos. Curioso olhar para trás e perceber suas mancadas e seus acertos. Seus arrependimentos, seus sucessos e seus lamentos. 
Reencontrar-se com seu passado, não somente com uma fase específica, mas todo um apanhado do que você fez durante esse tempo até o dia de hoje, pode ser um exercício ao mesmo tempo satisfatório e perigoso. Nostalgia vicia. Vicia quase (eu disse quase) da mesma forma que a heroína que vinte anos atrás dominava a vida de Renton (McGregor). Vicia quase da mesma forma que a mesma droga dominou a vida de Spud (Bremner) pelas últimas duas décadas. Vicia do mesmo modo que a violência e agressões físicas tornam a trajetória de Franco Begbie (Carlyle) mais aceitável em sua própria vida. E vicia tanto quanto o rancor que mantém Simon “Sick Boy” (Miller) vivo e, claro, mais dependente das carreiras de cocaína. Mas essa mesma nostalgia te ensina a refletir e a reparar antigos erros.

T2 Trainspotting possui uma cena na qual Sick Boy censura Renton por querer reviver fatos do passado daqueles quarentões, quando todos ainda estavam com vinte e poucos anos. “Isso é nostalgia. Você é um turista em sua própria juventude. Nós éramos jovens. Coisas ruins aconteceram”. E mesmo com toda sua roupagem pop, trilha sonora envolvente, cortes secos e rápidos característicos do estilo de Danny Boyle desde o primeiro filme de 1996, essa continuação não escapa de uma roupagem triste, de pessoas em busca de uma redenção e do próprio perdão pelos erros do passado. Pessoas que exibem agora as marcas da idade (e das frustrações e insanidades) em seus rostos. Na mesma cena, Simon censura Renton, fazendo-o lembrar que foi ele quem vendera a primeira dose de heroína ao falecido Tommy. Renton revida e atinge o amigo em cheio ao devolver a lembrança de que, agora, o bebê morto de Simon seria uma moça cheia de vida e planos para o futuro. T2 Trainspotting, ao final, se resume a isso. Golpes certeiros na consciência de cada um. Por debaixo da graça inerente ao longa, há um sabor amargo e uma camada de tristeza por debaixo do seu tom de comédia.

Down to the memory lane: Simon, Renton e Spud honram Tommy

Para o espectador, porém, é um reencontro com os personagens marcantes. A ideia de mostrar cada um deles em suas vidas atuais e compará-las com as pregressas causa graça, principalmente quando o foco está no ingênuo Spud, que, desde o inicio, já se mostra como a melhor coisa do filme, como quando explica a razão para seus fracassos está no fato de estar sempre uma hora atrasado para seus compromissos da vida pós-heroína. “Como eu poderia saber que existia algo como o horário de verão se eu fui um junkie pelos últimos vinte anos?” Pergunta relevante...

Trata-se de um filme que funcionaria bem sozinho, mas a opção de Danny Boyle em inserir constantes referências ao original, no começo, funciona. Porém, no decorrer das duas horas de projeção, acaba por cansar um pouco. Mas não ao ponto de enfraquecer demais o longa. No entanto, isso acaba por torná-lo dependente demais de seu predecessor. Mas entendemos que a pretensão de Boyle é a de fechar um ciclo. E, por isso, qualquer intenção forçada em referenciar a obra de 1996 acaba sendo relevada em nome da ótima atmosfera captada pela continuação.  E isso ele consegue sem necessariamente querer causar a mesma revolução visual que foi o longa noventista. Aqui, não houve nenhuma autocópia ou busca do impacto sensorial que foi a cena do banheiro. Aliás, é delicioso pescar as referências feitas durante a projeção, como quando Renton cai por cima de um capô de carro e sorri para a câmera, ou quando Spud se vê diante da mesma rua onde anos antes correra após um furto.

Begbie e sua fúria contra Renton
No aspecto visual, Boyle resgata os tons pastéis e os papeis de parede em casas populares escocesas em uma bem sucedida autorreferência. O momento em que Renton adentra em seu antigo quarto causa no espectador quase o mesmo impacto que nele mesmo. E o medo do efeito que o disco de Iggy Pop com a faixa Lust for Life causará nele é bem compreensível. Apenas a batida inicial da faixa já é suficiente para deixá-lo apreensivo. E o espectador parece também sentir o mesmo impacto e receio.

A percepção final é a de estarmos diante de três caras atormentados (Begbie não conta. Continua o mesmo psicopata de sempre). Atormentados e fracos, como podemos perceber pela recaída de Renton e Sick Boy pela agulha na veia. Apesar de seu discurso atualizado do monologo Choose a Life, Renton, mesmo com 46 anos, ainda denota o mesmo grau de imaturidade de vinte anos atrás. Não há muita redenção para aqueles indivíduos e é um alivio perceber que o filme não se rende a esse artifício sentimental. Quando vemos Begbie pedir perdão ao filho e se despedir de sua mulher, uma pretensa intenção piegas e inserida, mas, ainda bem, logo cai por terra. Aquele personagem está aquém de qualquer salvação. Sua dependência da violência já o dominara.

Contudo, é ótima a sensação ao percebemos ser Spud o mais forte dos três, o mais fiel ao seu processo de desintoxicação. Como disse o próprio Renton, Spud nunca machucou ninguém. É com regozijo que percebemos um final feliz para o coitado. 

terça-feira, 21 de março de 2017

Fragmentado

(Split, 2016, EUA) Direção: M. Night Shyamalan. Com James McAvoy, Anya Taylor Joy, Betty Buckley, Haley Lu Richardson, Jessica Sula.


Por João Paulo Barreto

Com uma carreira repleta de altos e baixos (mais baixos do que altos, é bem verdade), M. Night Shyamalan acerta a mão em Fragmentado, trabalho no qual ele volta a mirar nas questões psicológicas do ser humano e suas consequências para o mundo à sua volta tal qual havia feito no subestimado A Visita, seu longa anterior.

Aqui, diferente da psicopatia cruel e displicente do casal de idosos do filme de 2015, James McCavoy traz para seus vinte e quatro personagens (mas somente seis evidenciados e desenvolvidos pelo filme) uma mescla exata da citada crueldade, de frieza, doçura, inocência, pragmatismo, aspereza e brutalidade, características inerentes a cada uma das pessoas que habitam sua mente. Com uma atuação precisa, o jovem ator escocês parece flutuar de uma performance para a outra, trazendo para o público uma marca reconhecível para cada personalidade que habita o corpo do protagonista, seja ela a postura inflexível, um olhar ou um modo infantil de se expressar. Em uma construção na qual as nuances são imprescindíveis, McAvoy coloca cada uma delas em serviço da sua excelência.

McAvoy e sua versão infantil
Na história, o atormentado homem sequestra três jovens e as mantêm como reféns em um ambiente subterrâneo. O pretexto é o de que elas servirão como alimento para uma criatura que ainda surgirá, algo que logo percebemos se tratar de uma nova personalidade do sequestrador. Em seu roteiro, Shyamalan cria uma atmosfera incomoda de tensão justamente pela ideia de que o foco dessa vez possui raízes no universo real, sem qualquer tipo de escape relacionado com algo sobrenatural ou imaterial. O perigo aqui é calcado no plausível. E o incomodo principal do espectador está diante justamente desse fato.  

Na figura da personagem de Anya Taylor-Joy, que já havia se destacado no thriller A Bruxa, Shyamalan aproveita para explorar uma de suas marcas como roteirista que é a perda da inocência infantil, além de voltar a aplicar outra marca que é a da câmera subjetiva a partir do olhar de uma criança. No caso, Casey Cooke, personagem vivida por Joy na adolescência, possui um passado de abusos, no qual foi molestada pelo seu tio (a forma como o diretor opta por evidenciar choca pelo modo ao mesmo tempo sutil e monstruoso como tal fato é mostrado). Neste arco, a riqueza de interpretações que o roteiro oferece denota bem a profundidade da escrita do diretor. Em uma história na qual um personagem monstruoso esconde sua verdadeira face no intuito de conquistar a confiança de uma criança, o que dizer de um personagem que possui várias personalidades, mas todas elas são fieis ao próprio conceito de autenticidade, sem dissimulações ou truques? Ele é o que é. Curioso exercício o de imaginar quem é o verdadeiro monstro aqui. 

Casey em seu primeiro momento de desespero
Mas o que impressiona de fato no filme ainda é a atuação de McAvoy. Seja em uma sutil homenagem de Shyamalan ao seu principal ídolo, Alfred Hichcock, com tomadas que referenciam Norman Bates e Psicose (principalmente quando uma personalidade feminina do protagonista é inserida em rápidos vislumbres para depois se revelar), ou quando a tal última e definitiva pessoa na mente dele é trazida à vida e sua característica animalesca é evidenciada de modo ao mesmo tempo fascinante e asqueroso.  

É bom tê-lo de volta à velha forma, M. Night.


quinta-feira, 16 de março de 2017

Entrevista: Finnegan Oldfield

O ator durante visita a São Paulo na divulgação de Os Cowboys
Finnegan Oldfield esteve no Brasil em 2016, ocasião em que divulgou Os Cowboys durante o Festival Varilux de Cinema Francês, no Rio de Janeiro e São Paulo. Filme atual em relação à situação do Estado Islâmico e a adesão de jovens europeus à doutrina de terror preconizada pela organização, Os Cowboys, apesar de ter sua história centrada no final dos anos 1990 e início dos anos 2000, traz uma reflexão precisa para o que acontece no velho continente (principalmente na França) nos últimos anos.

Sobre esses aspectos da obra e outros assuntos, Finnegan Oldfield conversou com o blog Película Virtual.

OS COWBOYS ME REMETEU EM DIVERSAS CIRCUNSTÂNCIAS AO CLÁSSICO DE JOHN FORD, RASTROS DE ÓDIO.

Sim, há diversas semelhantes. Mesmo não sendo uma refilmagem e eu não tendo utilizado o Rastros de Ódio em minha pesquisa, Thomas (Bidegan, diretor) me mostrou outros filmes na construção de Os Cowboys, como Cidade das Ilusões (Fat City), de John Huston, que não chega a ser um western, mas é uma obra que aborda a transmissão de uma pessoa para outra. É disso que fala o filme, mas utilizando todo esse viés e os códigos todos dos filmes de faroeste. Foi exatamente isso que ele quis fazer. Utilizando essa referência nos filmes de faroeste, como o uso dos planos abertos de montanhas e paisagens, por exemplo. Como no momento em que ele está fumando um cachimbo da paz junto aos talibans, em outra cena vemos pessoas a emboscá-los de cima de um prédio como se fossem índios nos desfiladeiros. A partir de um certo momento, o filme passa a ser um faroeste, principalmente quando já o vemos com seu revolver em punho e na cintura.

SEU PERSONAGEM NO FILME É BEM SOLITÁRIO. COMO SE DEU A SUA CONSTRUÇÃO?

Eu li muitas vezes o roteiro. Foram muitas conversas com o Thomas (Bidegain) sobre a personagem e suas ideias de como ele queria que esse adolescente se transformasse em um homem, em um cowboy. E isso foi muito interessante para o trabalho de ator e foi um desafio que eu encontrei para fazer esse papel.

A FRANÇA VEM PASSANDO POR UM PERÍODO CONTURBADO EM RELAÇÃO À POLÍTICA E A GUERRA CONTRA O EXTREMISMO DE ORIGEM RELIGIOSA. COMO FOI ABORDAR ESSE TEMA NO FILME?

Curiosamente, no caso de Os Cowboys, o filme foi feito antes dos atentados ao Charlie Hebbo, antes dos atentados de novembro de 2015. Isso o torna um filme ainda mais atual. Outros diretores realizaram trabalhos com temas relacionados e acabaram pagando o preço de não ver suas obras sendo lançadas por conta do contexto. Os Cowboys foi lançado na França em 15 de novembro de 2015, dois dias após os atentados. A dúvida que surgiu na época foi na possibilidade de lançá-lo ou não. Decidimos levar adiante a data justamente para não deixar que o terrorismo começasse a dar as ordens no cinema. Eu concordo com o Thomas Bidegain (diretor de Os Cowboys) quando ele diz que é preferível assistir a uma obra como essa do que aos noticiários que ficam mostrando sem parar esse assunto. É preferível ver um filme como esse do que os canais de notícias que exibem sem parar imagens dos atentados sem se aprofundar nos fatos. Concordo que a gente tem que estar informado sobre o que acontece, mas os filmes possuem uma outra maneira de contar a história.


EXATAMENTE. INCLUSIVE, ACHO QUE O FILME TEVE UMA CORAGEM IMPRESSIONANTE DE ABORDAR UM TEMA TÃO DELICADO QUANTO A PRESENÇA DE CÉLULAS TERRORISTAS NA FRANÇA. E ISSO JUSTAMENTE NA ÉPOCA DOS ATAQUES EM PARIS.

Foi complicado. Podemos dizer que esses fatos acabaram nos alcançando. A realidade alcançou a ficção do filme. Quando fomos filmar na Índia, todos nos diziam para ter cuidado por conta de riscos de terroristas e, enquanto nós estávamos lá filmando, os atentados ao Charlie Hebdo aconteceram. Bem ali, no centro de Paris. E decidimos continuar filmando. E essa foi a mesma atitude quando chegou a hora de lançar o longa

QUAL A SUA POSIÇÃO COMO CIDADÃO FRANCÊS DIANTE DESTE MOMENTO? É POSSÍVEL UMA COMPARAÇÃO COM A POSTURA DOS ESTADUNIDENSES APÓS O 11 DE SETEMBRO?

É uma difícil comparação por conta da diferença de escalas dos acontecimentos em relação a França e aos EUA. A nossa vida passou a ser pontuada por atentados. A gente lembra do 11 de setembro, dos atentados a Londres, a Madrid, ao Charlie Hebdo. E, ao mesmo tempo, estamos distantes disso tudo. É um pouco disso que o filme fala, também. No filme, quando o personagem vê na TV as torres gêmeas em chamas, ele se sente como se recebesse um cartão postal da irmã pedindo por ajuda. E a gente na consegue entender o que significa  enquanto não vivemos isso na casa da gente.



O FILME ABORDA UMA QUESTÃO DELICADA QUE É A SEDUÇÃO DO ESTADO ISLÂMICO PARA COM JOVENS ÁRABES E EUROPEUS. GEROU CONTROVÉRSIAS NA OCASIÃO DO LANÇAMENTO E PRODUÇÃO. DO MESMO MODO, ELE ABORDA PONTOS RELACIONADOS A PRECONCEITOS, RACISMO E XENOFOBIA. COMO SE DEU ESSA ABORDAGEM DO ROTEIRO?

O filme, na verdade, apresenta uma questão da emancipação dessa jovem. Talvez, se ele se passasse em outra época, como os anos 1980, ela talvez tivesse seguido para outro lugar, como Londres, morar em um cubículo e ficar se drogando. E a historia começa antes disso, em 1997, quando ainda não era comum que os jovens se juntassem ao Estado Islâmico. No fundo, é uma história sobre pessoas comuns que vão se sentir aspiradas por essa agitação e confusão que acontece no mundo. Em relação ao racismo, é verdade que o pai é bem aquela figura francesa que tem aquela postura xenofóbica e alguns comentários racistas acerca de imigrantes. Na metáfora do filme, o pai acaba considerando que essas pessoas sejam como os índios. Já o filho, não. Ele passa a ver os estrangeiros de uma maneira muito mais aberta. E isso é o que fará dele um cowboy, um herói. O Thomas queria fazer um filme sobre essa abertura de espírito. Sobre a mistura de raças. Sobre como é possível aprender as lições dos seus ancestrais e de como o conhecimento passa de uma geração para outra.

EM SEUS FILMES ANTERIORES, HÁ UMA CONSTANTE ABORDAGEM DE CUNHO SEXUAL. COMO SE DEU ESSE PROCESSO DE ESCOLHAS DE PAPÉIS?

Não cheguei a ver muitos filmes franceses com temáticas sexuais e não há muitos que sigam essa vertente. Em relação às minhas escolhas, são temas interessantes. Por isso eu aceitei fazer esses filmes. Para Mineurs 27, o que me interessou foi como uma pessoa consegue crescer tendo sido vitima de abusos, como ela consegue superar isso. Bang Gang seguiu o mesmo questionamento de como os jovens vivem essa liberdade sexual e experiências nas quais eles podem erra e em seguida se corrigir e superar tudo isso. Principalmente a visão que as outras pessoas têm disso em tempos nos quais as redes sociais são tão ativas.

QUAIS SÃO OS SEUS PRÓXIMOS PROJETOS?

Já estou com um novo filme pronto, dirigido por Bertrand Bonello (diretor de Os Amores da Casa de Tolerância e Saint Laurent). O filme se chama Nocturama e aborda um grupo de jovens de esquerda que colocam bombas em Paris. São jovens que não percebem muito bem o que estão fazendo, inconsequentes que começam a perceber que fizeram algo muito errado e começam a perceber a gravidade de seus atos. É quando o filme começa a ser algo que se passa entre quatro paredes.  Esse roteiro foi escrito antes de todos os atentados e se chamava antes Paris é uma Festa, mas precisou ter seu título modificado.

Os Cowboys

(Les Cowboys, França, 2015) Direção: Thomas Bidegain. Com François Damiens, Finnegan Oldfield, John C. Reilly.


Por João Paulo Barreto

Os Cowboys, longa de estreia do diretor Thomas Bidegain, roteirista por trás do doloroso Ferrugem e Osso, de 2012, traz em seu título um curioso uso para a expressão que o batiza. Em uma clara alusão a Rastros de Ódio, a obra francesa atualiza questões como xenofobia e racismo para um contexto do século XXI. No entanto, aqui, substituem-se os comanches por muçulmanos extremistas e o sequestro físico e forçado pelo intelectual e religioso. Ao invés de índios a observar de cima das rochas do Monument Valley, extremista caminham em lajes enquanto enquadram seu alvo.  O resultado traz a mesma dor de John Wayne ao precisar resgatar a sobrinha, só que representada pelo pai vivido por François Damiens na busca pela filha, que deixa a França ao ser doutrinada pelo namorado mulçumano e convencida a participar de ataques 
terroristas.

Em sua construção, o filme apresenta diversos elementos que aludem ao estilo que seu título sugere. Porém, tais elementos não se relacionam à ambientação clássica que o espectador se acostumou a ver em westerns, mas se adéquam a um terror insano, representado pela inércia de um pai que percebe ter perdido a filha não somente de forma física, mas, bem antes disso, de forma sentimental, quando ela abdica de qualquer contato com a família por conta da fé cega na qual foi levada a acreditar. Junto ao filho George (Finnegan Oldfield), Alain (Damiens) passa a dedicar sua vida ao resgate da filha, a quem começa procurar através de pistas que vai seguindo através do contato com supostas células terroristas. Aos poucos, a dureza áspera que existe nos dois cowboys do título cede lugar ao desespero.

Derrocada física e psicológica: Alain, com o filho George, em busca de sua filha
A perda da filha mais velha se torna a derrocada de toda uma família. A dor da ausência transforma a figura austera e durona de Alain em pouco mais que uma sombra do que ele foi, algo que passa a influenciar, também, seu filho George, que se vê ligado à busca da irmã da mesma forma obcecada que o pai. Nesta rendição, o rapaz abre mão de sua juventude, passando a se dedicar integralmente à localização da irmã, algo que, curiosamente, o leva, a partir de acontecimentos trágicos, a construir sua própria vida, identidade e personalidade.

Trata-se de um filme cuja maior reflexão está na discussão acerca da xenofobia que ele oferece. Como em determinada cena, quando uma mulher, em solo francês, é espancada somente pelo fato de usar um hijab (espécie de xale) típico da mulher mulçumana. E quando, em um tempo no qual um cidadão assumidamente xenofóbico ocupa o maior cargo do executivo estadunidense, a reflexão oferecida por Os Cowboys ganha ainda mais força.

George conta com uma inesperada ajuda na sua busca
Aqui, vemos um título que alude a um gênero tipicamente americano referenciar uma obra na qual a reflexão vai justamente contra a corrente de ódio e separação preconizada pela política dominante atual. Não à toa, o único personagem americano do filme (vivido de forma soturna por um excelente John C. Reilly) trata-se de um oportunista mercenário que se infiltra na cultura mulçumana para facilitar seus interesses escusos. 

Nada mais próprio à função exercida por seu país desde muito tempo.

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Entrevista com Finnegan Oldfield

O ator durante a visita a São Paulo em 2016
Finnegan Oldfield esteve no Brasil em 2016, ocasião em que divulgou Os Cowboys durante o Festival Varilux de Cinema Francês, no Rio de Janeiro e São Paulo. Filme atual em relação à situação do Estado Islâmico e a adesão de jovens europeus à doutrina de terror preconizada pela organização, Os Cowboys, apesar de ter sua história centrada no final dos anos 1990 e início dos anos 2000, traz uma reflexão precisa para o que acontece no velho continente (principalmente na França) nos últimos anos.

Sobre esses aspectos da obra e outros assuntos, Finnegan Oldfield conversou com o blog Película Virtual.

OS COWBOYS ME REMETEU EM DIVERSAS CIRCUNSTÂNCIAS AO CLÁSSICO DE JOHN FORD, RASTROS DE ÓDIO.

Sim, há diversas semelhantes. Mesmo não sendo uma refilmagem e eu não tendo utilizado o Rastros de Ódio em minha pesquisa, Thomas (Bidegan, diretor) me mostrou outros filmes na construção de Os Cowboys, como Cidade das Ilusões (Fat City), de John Huston, que não chega a ser um western, mas é uma obra que aborda a transmissão de uma pessoa para outra. É disso que fala o filme, mas utilizando todo esse viés e os códigos todos dos filmes de faroeste. Foi exatamente isso que ele quis fazer. Utilizando essa referência nos filmes de faroeste, como o uso dos planos abertos de montanhas e paisagens, por exemplo. Como no momento em que ele está fumando um cachimbo da paz junto aos talibans, em outra cena vemos pessoas a emboscá-los de cima de um prédio como se fossem índios nos desfiladeiros. A partir de um certo momento, o filme passa a ser um faroeste, principalmente quando já o vemos com seu revolver em punho e na cintura.

SEU PERSONAGEM NO FILME É BEM SOLITÁRIO. COMO SE DEU A SUA CONSTRUÇÃO?

Eu li muitas vezes o roteiro. Foram muitas conversas com o Thomas (Bidegain) sobre a personagem e suas ideias de como ele queria que esse adolescente se transformasse em um homem, em um cowboy. E isso foi muito interessante para o trabalho de ator e foi um desafio que eu encontrei para fazer esse papel.

A FRANÇA VEM PASSANDO POR UM PERÍODO CONTURBADO EM RELAÇÃO À POLÍTICA E A GUERRA CONTRA O EXTREMISMO DE ORIGEM RELIGIOSA. COMO FOI ABORDAR ESSE TEMA NO FILME?

Curiosamente, no caso de Os Cowboys, o filme foi feito antes dos atentados ao Charlie Hebbo, antes dos atentados de novembro de 2015. Isso o torna um filme ainda mais atual. Outros diretores realizaram trabalhos com temas relacionados e acabaram pagando o preço de não ver suas obras sendo lançadas por conta do contexto. Os Cowboys foi lançado na França em 15 de novembro de 2015, dois dias após os atentados. A dúvida que surgiu na época foi na possibilidade de lançá-lo ou não. Decidimos levar adiante a data justamente para não deixar que o terrorismo começasse a dar as ordens no cinema. Eu concordo com o Thomas Bidegain (diretor de Os Cowboys) quando ele diz que é preferível assistir a uma obra como essa do que aos noticiários que ficam mostrando sem parar esse assunto. É preferível ver um filme como esse do que os canais de notícias que exibem sem parar imagens dos atentados sem se aprofundar nos fatos. Concordo que a gente tem que estar informado sobre o que acontece, mas os filmes possuem uma outra maneira de contar a história.



EXATAMENTE. INCLUSIVE, ACHO QUE O FILME TEVE UMA CORAGEM IMPRESSIONANTE DE ABORDAR UM TEMA TÃO DELICADO QUANTO A PRESENÇA DE CÉLULAS TERRORISTAS NA FRANÇA. E ISSO JUSTAMENTE NA ÉPOCA DOS ATAQUES EM PARIS.

Foi complicado. Podemos dizer que esses fatos acabaram nos alcançando. A realidade alcançou a ficção do filme. Quando fomos filmar na Índia, todos nos diziam para ter cuidado por conta de riscos de terroristas e, enquanto nós estávamos lá filmando, os atentados ao Charlie Hebdo aconteceram. Bem ali, no centro de Paris. E decidimos continuar filmando. E essa foi a mesma atitude quando chegou a hora de lançar o longa

QUAL A SUA POSIÇÃO COMO CIDADÃO FRANCÊS DIANTE DESTE MOMENTO? É POSSÍVEL UMA COMPARAÇÃO COM A POSTURA DOS ESTADUNIDENSES APÓS O 11 DE SETEMBRO?

É uma difícil comparação por conta da diferença de escalas dos acontecimentos em relação a França e aos EUA. A nossa vida passou a ser pontuada por atentados. A gente lembra do 11 de setembro, dos atentados a Londres, a Madrid, ao Charlie Hebdo. E, ao mesmo tempo, estamos distantes disso tudo. É um pouco disso que o filme fala, também. No filme, quando o personagem vê na TV as torres gêmeas em chamas, ele se sente como se recebesse um cartão postal da irmã pedindo por ajuda. E a gente na consegue entender o que significa  enquanto não vivemos isso na casa da gente.

O FILME ABORDA UMA QUESTÃO DELICADA QUE É A SEDUÇÃO DO ESTADO ISLÂMICO PARA COM JOVENS ÁRABES E EUROPEUS. GEROU CONTROVÉRSIAS NA OCASIÃO DO LANÇAMENTO E PRODUÇÃO. DO MESMO MODO, ELE ABORDA PONTOS RELACIONADOS A PRECONCEITOS, RACISMO E XENOFOBIA. COMO SE DEU ESSA ABORDAGEM DO ROTEIRO?

O filme, na verdade, apresenta uma questão da emancipação dessa jovem. Talvez, se ele se passasse em outra época, como os anos 1980, ela talvez tivesse seguido para outro lugar, como Londres, morar em um cubículo e ficar se drogando. E a historia começa antes disso, em 1997, quando ainda não era comum que os jovens se juntassem ao Estado Islâmico. No fundo, é uma história sobre pessoas comuns que vão se sentir aspiradas por essa agitação e confusão que acontece no mundo. Em relação ao racismo, é verdade que o pai é bem aquela figura francesa que tem aquela postura xenofóbica e alguns comentários racistas acerca de imigrantes. Na metáfora do filme, o pai acaba considerando que essas pessoas sejam como os índios. Já o filho, não. Ele passa a ver os estrangeiros de uma maneira muito mais aberta. E isso é o que fará dele um cowboy, um herói. O Thomas queria fazer um filme sobre essa abertura de espírito. Sobre a mistura de raças. Sobre como é possível aprender as lições dos seus ancestrais e de como o conhecimento passa de uma geração para outra.



EM SEUS FILMES ANTERIORES, HÁ UMA CONSTANTE ABORDAGEM DE CUNHO SEXUAL. COMO SE DERAM ESSAS ESCOLHAS?

Não cheguei a ver muitos filmes franceses com temáticas sexuais e não há muitos que sigam essa vertente. Em relação às minhas escolhas, são temas interessantes. Por isso eu aceitei fazer esses filmes. Para Mineurs 27, o que me interessou foi como uma pessoa consegue crescer tendo sido vitima de abusos, como ela consegue superar isso. Bang Gang seguiu o mesmo questionamento de como os jovens vivem essa liberdade sexual e experiências nas quais eles podem erra e em seguida se corrigir e superar tudo isso. Principalmente a visão que as outras pessoas têm disso em tempos nos quais as redes sociais são tão ativas.

QUAIS SÃO OS SEUS PRÓXIMOS PROJETOS?

Já estou com um novo filme pronto, dirigido por Bertrand Bonello (diretor de Os Amores da Casa de Tolerância e Saint Laurent). O filme se chama Nocturama e aborda um grupo de jovens de esquerda que colocam bombas em Paris. São jovens que não percebem muito bem o que estão fazendo, inconsequentes que começam a perceber que fizeram algo muito errado e começam a perceber a gravidade de seus atos. É quando o filme começa a ser algo que se passa entre quatro paredes.  Esse roteiro foi escrito antes de todos os atentados e se chamava antes Paris é uma Festa, mas precisou ter seu título modificado.

Entrevista: Paula Gomes - diretora de Jonas e o Circo sem Lona



Jonas e o Circo Sem Lona é daqueles tipos de filme que ficam com você. Eu o assisti em setembro de 2016, durante a projeção do Cachoeira Doc. Foi exibido no último dia do festival, na décima mostra competitiva. Lembro-me que, durante a cobertura da mostra, escrevi sobre todas as nove competitivas. Fiquei devendo a Paula Gomes um texto acerca de seu filme. Mas não porque não quis fazê-lo, mas, sim, pelo fato de que o impacto do longa, após uma semana intensa de festival, foi por demais intenso. Precisei parar para refletir sobre o filme mais a fundo. Durante a correria da curadoria do Panorama Internacional Coisa de Cinema, não consegui rever o filme, muito menos escrever sobre ele. Mas, volta e meia, voltava a pensar naquela história. Jonas e o Circo sem Lona tem esse poder. É um filme que acompanha o espectador após o término da sessão. Digo isso não somente como um clichê para florear um texto crítico, mas por perceber a identificação que ele gerou. Na infância, muitos sonhos nos motiva. Muitos planos nos frustram. Ao crescer, a nostalgia acaba por nos invadir e, às vezes, machucar. O registro da rotina do pequeno Jonas pelo olhar atento de Paula me fez refletir acerca das escolhas que fazemos e como elas nos acompanham por toda a vida. Para o bem ou para mal (ops, mais um clichê). Perceber que Jonas escolheu bem seu futuro, resolvendo seguir aquilo que realmente o motivava, nos incentiva a seguir passos semelhantes. “Não tem como não ser Jonas e não se identificar neste sentido dos desafios e do que você escolheu para você. Como eu estou conseguindo manter meu sonho vivo, o filme, ao mesmo tempo, é um ato de desejar que ele, Jonas, consiga também. E ele está conseguindo. E isso é muito bom”, afirma Paula Gomes em um dos trechos desse papo.  De fato, não tem como não ser Jonas.

Confira abaixo a conversa na íntegra.

PAULA, APÓS VÁRIOS FESTIVAIS, O FILME FINALMENTE CHEGA AO CIRCUITO COMERCIAL E AO PÚBLICO GERAL. QUAL A SENSAÇÃO?

É uma emoção enorme. A gente fica muito feliz por vários motivos. Porque a caminhada foi longa, foi difícil, mas, também, porque a gente sabe que o nosso problema ainda é essa parte da cadeia. A parte da distribuição. No drama da produção, a gente meio que conseguiu ter um fluxo de uns anos para cá. Com todas as políticas, com a forma como a gente aprendeu a fazer. Então, estrear comercialmente nos deixa realmente muito felizes. Também pela trajetória do filme, porque ele vai poder chegar em vários lugares. São vinte cidades no Brasil. A gente está muito emocionado com isso. E esperamos que as pessoas possam assistir, possam dividir um pouco dessa história com a gente.

VOCÊ ENCERRA UM CICLO. TERMINA A CORRERIA COM FESTIVAIS E ENTRA NO CONTATO COM O PÚBLICO GERAL. VOCÊ TOCOU NO PONTO QUE A DISTRIBUIÇÃO FOI UM DOS PONTOS MAIS DIFÍCEIS EM TUDO ISSO. QUAIS FORAM OS PARCEIROS DE DISTRIBUIÇÃO?

O filme está sendo distribuído pela Vitrine Filmes, através de um projeto que eles têm chamado Sessão Vitrine Petrobras. Um projeto muito bacana que reuniu mais ou menos vinte filmes brasileiros que tiveram destaque no ano passado em festivais. Filmes que foram premiados. Então, eu acho que ir de grupo, ir de galera (risos) fortalece todos os filmes. Eles são lançados um de cada vez neste circuito de vinte cidades. Isso é muito legal.

Paula, Jonas e parte da equipe da Plano 3 Filmes
VOCÊ ACERTA AO FUGIR DE UM FORMATO CONVENCIONAL DE DOCUMENTÁRIOS, ALGO QUE JÁ É BEM BATIDO NO USO DE CABEÇAS FALANTES. VOCÊ, NO ENTANTO, PREFERE ABORDAR A HISTÓRIA DO JONAS DENTRO DA SUA ROTINA, DENTRO DA SUA REALIDADE. COMO FOI ESSE PROCESSO DE ESCOLHA?

Então, eu acho que o filme se encaixa muito bem em um gênero que é o documentário de criação,que ainda não é tão popular aqui no Brasil. No filme, a gente opta por trabalhar muito com o encontro. O documentário ele acontece não porque existe um objeto, mas porque existe um objeto e um sujeito. E em algum momento esses dois se encontraram, as histórias se cruzaram, e, por algum tipo de gesto, de amor, de ódio, do que for, a gente decide viver uma história juntos. Então, a partir do momento em que a gente encara o filme como um documentário de criação, muita coisa fica para trás. Uma suposta objetividade, uma imparcialidade, que a gente sabe que não existe. Eu estou pessoalmente interessada em fazer filmes onde eu esteja envolvida, sabe? Onde muito claramente há um ponto de vista. Onde muito claramente há uma interferência. O filme trabalha isso de uma forma muito honesta. Porque esse era o pacto com Jonas. Porque esse era o pacto com os personagens. Então, a gente entra para viver essa aventura juntos, que a gente não sabe como vai terminar, mas sabe o ponto de partida. Conhece os conflitos que podem surgir, porque foi feito uma pesquisa antes. O Jonas trabalha muito por essa linha. Eu acho sempre mais honesto, mais bacana. Acho até filmicamente mais interessante que quando a gente vá fazer um doc, possamos assumir a equipe. Assumir a interferência. Porque aquela história só aconteceu naquele tempo e naquele espaço daquela forma porque estávamos filmando. Se a gente não estivesse ali, era outra história. Então, nada mais honesto que possamos compartilhar o processo, também.

HÁ UMA CUMPLICIDADE BEM BONITA ENTRE VOCÊ E O JONAS. O FINAL EU ACHO DE UMA BELEZA ÍMPAR.

Sim, existe uma cumplicidade muito forte. Eu conheço o Jonas há muitos anos. Minha relação com a família dele tem dez anos. Desde que eu conheci a mãe dele, fiquei muito próxima.


COMO FOI QUE VOCÊ DESCOBRIU O JONAS?

Há dez anos, a gente ia filmar um curta de ficção junto com o meu coletivo (N.E. O coletivo Plano 3 Filmes). E o curta tinha ver a ver com o universo do circo. E todo mundo perguntava para gente: “Ah, vocês vão fazer um curta felliniano?” E a gente começou a descobrir que tinha uma visão do circo muito presa a Fellini. Muito presa a um universo mais fantástico e a gente queria retratar um circo mais real, nordestino, mais da gente. E aí entramos no carro e viajamos para pesquisar. Íamos visitar três circos em um final de semana. Meio que procurando locações, procurando informações. E foi tão incrível que essa viagem de três circos em um final de semana virou três meses e trinta e cinco circos pesquisados. Na época, eu escrevi muito. Pelo fato de eu reunir muito material, acabei sendo convidada a assumir o Núcleo de Artes Circenses aqui da Secretaria de Cultura. E a família de Jonas morava em um desses circos que  eu visitei. Foi quando conheci a família dele, acompanhei quando eles deixaram o circo e se estabeleceram na Região Metropolitana de Salvador. De certa forma, eu vinha acompanhando o crescimento de Jonas. Até que um dia ele me liga e fala: “Olha, eu tenho uma novidade. Agora eu sou dono de circo. Tenho meu próprio circo e queria te convidar para assistir ao espetáculo.” Aí eu  fui com os meninos do coletivo à casa dele e, nos fundos, tinha um circo armado que ele construiu com o que sobrou desse antigo circo da família. Aquelas arquibancadas velhas, pedaços de lona, uns figurinos. Quando eu cheguei, fiquei muito encantada e já senti que naquele quintal ali tinha um filme. Só não sabia ainda qual era esse filme. Isso eu só descobri depois. Mas tive imediatamente essa sensação de que havia uma história muito legal ali.

HÁ UMA RIMA INTERESSANTE AO OBSERVARMOS O JONAS COMO UM ARTISTA LIBERTÁRIO AO FAZERMOS UMA COMPARAÇÃO DELE COM OS ARTISTAS ORIUNDOS DO AUDIOVISUAL BRASILEIRO E, PRINCIPALMENTE, BAIANO. O MODO COMO ELE É REGRADO PELAS AUTORIDADES DE SUA FAMÍLIA E ESCOLA, QUE TENTAM IMPEDI-LO DE SEGUIR SUA ARTE. VOCÊ TEM ESSA IMPRESSÃO, TAMBÉM? 

Tenho, sim. Eu tenho, sobretudo, uma identificação muito profunda com ele. Com a sua história. E me inspira muito no sentido que ele tinha um sonho que era o circo. Ele saiu do circo e conseguiu, sozinho, mantê-lo vivo, ali no quintal de sua casa. E isso não tem como não me inspirar. Porque é a mesmo no meu lugar, no cinema que eu faço. Aqui, eu também dependo, como eu falo no filme, dos meus amigos para fazer. Também é um sonho que sempre tem conflitos, que sempre tem obstáculos. A gente brinca aqui no coletivo que somos todos Jonas. Porque também somos esses meninos que sentavam no fundo da sala de aula. E que também eram cobrados dessa forma. E que até hoje, fazendo cinema em um mundo que te diz todos os dias: “seja médico, seja advogado, faça concurso, tenha um emprego.” Não tem como não ser Jonas e não se identificar neste sentido dos desafios e do que você escolheu para você. Como eu estou conseguindo manter meu sonho vivo, também, o filme, ao mesmo tempo, é um ato de desejar que ele, Jonas, consiga também. E ele está conseguindo. E isso é muito bom.


A CENA DO CONFLITO COM A DIRETORA DA ESCOLA DE JONAS FAZ AQUELE SERMÃO É BEM SIMBÓLICA NESTE SENTIDO.

Sim. O tempo todo a gente enfrentava algum conflito. Porque como a gente estava na escola todos os dias, nós viramos os intermediários. O Jonas aprontava muito. Então, toda vez que isso acontecia, ao invés de ligar para a mãe dele, a diretora ligava para mim, porque eu estava ali, mais próxima. E estes conflitos, ao invés de nos afastar, nos aproximaram muito da dela. Porque ela estava dentro de uma lógica que eu, naquele momento, não concordava, mas que eu conseguia entender. Porque também é muito difícil para o professor, dentro do sistema em que ele está, ser o único individuo que enxerga, que não quer castrar, que quer libertar. Então, também, é difícil quando você entende o sistema inteiro. Foi uma surpresa muito gratificante. Porque a gente filmou muito tempo. Foram dois anos. Quando terminamos, dois anos e pouco depois que tínhamos começado, os personagens já não eram mais os mesmos. Todo mundo tinha amadurecido. Todo mundo tinha um ponto de vista diferente. E teve um dia que ela falou para mim que ela percebia naquele momento, naquele tempo ali, que não só Jonas era ruim para a escola. Mas que, também, a escola era ruim para Jonas. E isso foi maravilhoso. Porque Jonas se transformou, ela se transformou, a gente se transformou. Foi um filme muito intenso e muito transformador para todo mundo.

QUAL É O PRÓXIMO PROJETO AGORA, PAULA?

A gente acabou de filmar um longa de ficção chamado Filho de Boi. É do nosso coletivo. Neste, eu sou produtora e co-roteirista, porque a gente se alterna nas funções. E quem dirige é o Haroldo (Borges) e o Ernesto (Molinero). Filmamos no sertão da Bahia, um processo que foi muito modificado depois de Jonas. É um roteiro mais antigo. Mas depois filmamos Jonas, transformamos o projeto inteiro. A gente está muito apaixonada pelo documentário e buscamos ferramentas para deixar essa ficção com um perfil mais relacionado com documentário. Por exemplo, optamos trabalhar com não atores. Fizemos uma pesquisa enorme para encontrar o protagonista. Entrevistamos 1500 meninos, todos do sertão da Bahia, todos de escola pública e moradores de áreas rurais. E trabalhamos com Fátima Toledo (conceituada preparadora de elenco que se destacou em filmes como Cidade de Deus e Tropa de Elite). Fátima super topou o projeto. Ela veio e fez uma super preparação neste sentido. E o mais legal é que o Jonas fez o filme. Dessa vez, como ator. E também aprendendo uma nova função. Ele quer fazer Cinema após terminar seu último ano da escola. Ano que vem quer fazer vestibular para Cinema. Aqui, ele quis aprender mais e trabalhou, também, como segundo assistente de câmera.

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Jonas e o Circo sem Lona (Brasil, 2016) Direção: Paula Gomes. Com Jonas Laborda.


Por João Paulo Barreto

Em seu último momento, Jonas e o Circo sem Lona traz uma pergunta feita pelo pequeno protagonista à diretora Paula Gomes: “O final do meu filme vai ser assim, triste?” Ao ouvi-lo, Paula lhe concede um cafuné e uma resposta confortadora: “Esse é o final desse filme, não do seu filme.” Um carinho que denota justamente a cumplicidade de projeto com o seu sujeito de análise. E durante os breves 81 minutos de projeção, é justamente perante a isso que o público se vê. A construção precisa de um personagem de um modo em que a equipe de produção se insere naquele ambiente. Ao subir dos créditos, percebemos ter estado diante de um documentário de criação no qual as barreiras que separam Jonas de seu destino nos são apresentadas, mas é justamente o superar delas o principal intento a ser demonstrado aqui.

Existe uma identificação plena do espectador com Jonas. A câmera de Gomes nos coloca dentro do dia-a-dia do garoto. Convida-nos a participar de sua rotina de férias escolares, quando decide montar um circo no quintal de sua casa. Um circo feito com material oriundo do antigo local onde sua família viveu, e onde sua mãe, que naturalmente se preocupa com o fato de que dedicação do filho é grande com o espetáculo e não tanto com a escola, trabalhou durante a juventude. Não que ela imponha sua vontade de modo ditatorial. O que acontece aqui é o receio natural de pais pelo futuro de seus rebentos. E para ela, o circo não trará nenhum para o seu garoto. Jonas, no entanto, possui aquela arte em seus genes. Algo do qual ele não foge, sendo aquilo o que realmente o move.
  
Jonas e sua mãe: conflitos e a natural preocupação materna
O esmero do olhar de Paula Gomes ao registrar toda a trajetória do menino Jonas é notável.  Desde a não adaptação a uma escola que o restringe de sua paixão, demonstrando um modelo educacional falho, cujas prioridades, claro, são determinadas pelo mercado de trabalho (o momento em que a diretora da escola se queixa perante a câmera é um achado para o filme), passando pelas experiências marcantes daquela fase, como paqueras e o primeiro beijo, o registro tanto das alegrias quanto das frustrações do rapazinho trazem para o longa metragem um equilíbrio essencial. Isso é perceptível, também, pela opção em não se render ao romantizar da arte circense. A discussão oferecida em Jonas e o Circo sem Lona não visa fantasiar com escapismos lúdicos oriundos daquela arte. Mas, claro, isso não significa dizer que sua magia não se faz presente. No entanto, tal percepção é destinada ao espectador, sem a necessidade que a narrativa venha lhe impor. O que percebemos é o contar de uma história na qual os percalços da infância são colocados em evidência. 

Jonas e o local onde consegue se encontrar
Trata-se de uma fase de descobertas. Uma fase na qual a percepção de uma vocação se fez presente. Jonas se entrega àquilo com tudo o que pode. Seu interesse não é fugaz. Não se trata de algo que logo será suplantado por outra coisa. Seu foco é perceptível. Enquanto outros de sua trupe logo se vêem diante de cobranças e interesses que os fazem se distanciar daquela diversão, para Jonas aquilo é algo que se situa em outro patamar de prioridades. Talvez por isso a decepção o atinja de modo tão doloroso. E, por consequência, ao espectador. E nisso está mais um acerto de Paula Gomes e de seu coletivo no entregar de sua história. Ao atingir o público de modo tão certeiro, ela nos coloca diante do anseio do pequeno Jonas. E o sentimento passa a ser compartilhado. Poucos filmes conseguem esse intento. Jonas e o Circo sem Lona, felizmente e dolorosamente, é um deles.


É para esse tipo de entrega que o cinema existe.

Jonas e o Circo sem Lona

(Brasil, 2016) Direção: Paula Gomes. Com Jonas Laborda.


Por João Paulo Barreto

Em seu último momento, Jonas e o Circo sem Lona traz uma pergunta feita pelo pequeno protagonista à diretora Paula Gomes: “O final do meu filme vai ser assim, triste?” Ao ouvi-lo, Paula lhe concede um cafuné e uma resposta confortadora: “Esse é o final desse filme, não do seu filme.” Um carinho que denota justamente a cumplicidade de projeto com o seu sujeito de análise. E durante os breves 81 minutos de projeção, é justamente perante a isso que o público se vê. A construção precisa de um personagem de um modo em que a equipe de produção se insere naquele ambiente. Ao subir dos créditos, percebemos ter estado diante de um documentário de criação no qual as barreiras que separam Jonas de seu destino nos são apresentadas, mas é justamente o superar delas o principal intento a ser demonstrado aqui.

Existe uma identificação plena do espectador com Jonas. A câmera de Gomes nos coloca dentro do dia-a-dia do garoto. Convida-nos a participar de sua rotina de férias escolares, quando decide montar um circo no quintal de sua casa. Um circo feito com material oriundo do antigo local onde sua família viveu, e onde sua mãe, que naturalmente se preocupa com o fato de que dedicação do filho é grande com o espetáculo e não tanto com a escola, trabalhou durante a juventude. Não que ela imponha sua vontade de modo ditatorial. O que acontece aqui é o receio natural de pais pelo futuro de seus rebentos. E para ela, o circo não trará nenhum para o seu garoto. Jonas, no entanto, possui aquela arte em seus genes. Algo do qual ele não foge, sendo aquilo o que realmente o move.


Jonas e sua mãe: conflitos e a natural preocupação materna
O esmero do olhar de Paula Gomes ao registrar toda a trajetória do menino Jonas é notável.  Desde a não adaptação a uma escola que o restringe de sua paixão, demonstrando um modelo educacional falho, cujas prioridades, claro, são determinadas pelo mercado de trabalho (o momento em que a diretora da escola se queixa perante a câmera é um achado para o filme), passando pelas experiências marcantes daquela fase, como paqueras e o primeiro beijo, o registro tanto das alegrias quanto das frustrações do rapazinho trazem para o longa metragem um equilíbrio essencial. Isso é perceptível, também, pela opção em não se render ao romantizar da arte circense. A discussão oferecida em Jonas e o Circo sem Lona não visa fantasiar com escapismos lúdicos oriundos daquela arte. Mas, claro, isso não significa dizer que sua magia não se faz presente. No entanto, tal percepção é destinada ao espectador, sem a necessidade que a narrativa venha lhe impor. O que percebemos é o contar de uma história na qual os percalços da infância são colocados em evidência. 

Jonas e o local onde consegue se encontrar
Trata-se de uma fase de descobertas. Uma fase na qual a percepção de uma vocação se fez presente. Jonas se entrega àquilo com tudo o que pode. Seu interesse não é fugaz. Não se trata de algo que logo será suplantado por outra coisa. Seu foco é perceptível. Enquanto outros de sua trupe logo se vêem diante de cobranças e interesses que os fazem se distanciar daquela diversão, para Jonas aquilo é algo que se situa em outro patamar de prioridades. Talvez por isso a decepção o atinja de modo tão doloroso. E, por consequência, ao espectador. E nisso está mais um acerto de Paula Gomes e de seu coletivo no entregar de sua história. Ao atingir o público de modo tão certeiro, ela nos coloca diante do anseio do pequeno Jonas. E o sentimento passa a ser compartilhado. Poucos filmes conseguem esse intento. Jonas e o Circo sem Lona, felizmente e dolorosamente, é um deles.


É para esse tipo de entrega que o cinema existe.

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Entrevista com a diretora Paula Gomes

Paula, Jonas e parte da equipe do coletivo Plano 3 Filmes
Jonas e o Circo Sem Lona é daqueles tipos de filme que ficam com você. Eu o assisti em setembro de 2016, durante a projeção do Cachoeira Doc. Foi exibido no último dia do festival, na décima mostra competitiva. Lembro-me que, durante a cobertura da mostra, escrevi sobre todas as nove competitivas. Fiquei devendo a Paula Gomes um texto acerca de seu filme. Mas não porque não quis fazê-lo, mas, sim, pelo fato de que o impacto do longa, após uma semana intensa de festival, foi por demais intenso. Precisei parar para refletir sobre o filme mais a fundo. Durante a correria da curadoria do Panorama Internacional Coisa de Cinema, não consegui rever o filme, muito menos escrever sobre ele. Mas, volta e meia, voltava a pensar naquela história. Jonas e o Circo sem Lona tem esse poder. É um filme que acompanha o espectador após o término da sessão. Digo isso não somente como um clichê para florear um texto crítico, mas por perceber a identificação que ele gerou. Na infância, muitos sonhos nos motiva. Muitos planos nos frustram. Ao crescer, a nostalgia acaba por nos invadir e, às vezes, machucar. O registro da rotina do pequeno Jonas pelo olhar atento de Paula me fez refletir acerca das escolhas que fazemos e como elas nos acompanham por toda a vida. Para o bem ou para mal (ops, mais um clichê). Perceber que Jonas escolheu bem seu futuro, resolvendo seguir aquilo que realmente o motivava, nos incentiva a seguir passos semelhantes. “Não tem como não ser Jonas e não se identificar neste sentido dos desafios e do que você escolheu para você. Como eu estou conseguindo manter meu sonho vivo, o filme, ao mesmo tempo, é um ato de desejar que ele, Jonas, consiga também. E ele está conseguindo. E isso é muito bom”, afirma Paula Gomes em um dos trechos desse papo.  De fato, não tem como não ser Jonas.

Confira abaixo a conversa na íntegra.

PAULA, APÓS VÁRIOS FESTIVAIS, O FILME FINALMENTE CHEGA AO CIRCUITO COMERCIAL E AO PÚBLICO GERAL. QUAL A SENSAÇÃO?

É uma emoção enorme. A gente fica muito feliz por vários motivos. Porque a caminhada foi longa, foi difícil, mas, também, porque a gente sabe que o nosso problema ainda é essa parte da cadeia. A parte da distribuição. No drama da produção, a gente meio que conseguiu ter um fluxo de uns anos para cá. Com todas as políticas, com a forma como a gente aprendeu a fazer. Então, estrear comercialmente nos deixa realmente muito felizes. Também pela trajetória do filme, porque ele vai poder chegar em vários lugares. São vinte cidades no Brasil. A gente está muito emocionado com isso. E esperamos que as pessoas possam assistir, possam dividir um pouco dessa história com a gente.

VOCÊ ENCERRA UM CICLO. TERMINA A CORRERIA COM FESTIVAIS E ENTRA NO CONTATO COM O PÚBLICO GERAL. VOCÊ TOCOU NO PONTO QUE A DISTRIBUIÇÃO FOI UM DOS PONTOS MAIS DIFÍCEIS EM TUDO ISSO. QUAIS FORAM OS PARCEIROS DE DISTRIBUIÇÃO?

O filme está sendo distribuído pela Vitrine Filmes, através de um projeto que eles têm chamado Sessão Vitrine Petrobras. Um projeto muito bacana que reuniu mais ou menos vinte filmes brasileiros que tiveram destaque no ano passado em festivais. Filmes que foram premiados. Então, eu acho que ir de grupo, ir de galera (risos) fortalece todos os filmes. Eles são lançados um de cada vez neste circuito de vinte cidades. Isso é muito legal.

VOCÊ ACERTA AO FUGIR DE UM FORMATO CONVENCIONAL DE DOCUMENTÁRIOS, ALGO QUE JÁ É BEM BATIDO NO USO DE CABEÇAS FALANTES. VOCÊ, NO ENTANTO, PREFERE ABORDAR A HISTÓRIA DO JONAS DENTRO DA SUA ROTINA, DENTRO DA SUA REALIDADE. COMO FOI ESSE PROCESSO DE ESCOLHA?

Então, eu acho que o filme se encaixa muito bem em um gênero que é o documentário de criação,que ainda não é tão popular aqui no Brasil. No filme, a gente opta por trabalhar muito com o encontro. O documentário ele acontece não porque existe um objeto, mas porque existe um objeto e um sujeito. E em algum momento esses dois se encontraram, as histórias se cruzaram, e, por algum tipo de gesto, de amor, de ódio, do que for, a gente decide viver uma história juntos. Então, a partir do momento em que a gente encara o filme como um documentário de criação, muita coisa fica para trás. Uma suposta objetividade, uma imparcialidade, que a gente sabe que não existe. Eu estou pessoalmente interessada em fazer filmes onde eu esteja envolvida, sabe? Onde muito claramente há um ponto de vista. Onde muito claramente há uma interferência. O filme trabalha isso de uma forma muito honesta. Porque esse era o pacto com Jonas. Porque esse era o pacto com os personagens. Então, a gente entra para viver essa aventura juntos, que a gente não sabe como vai terminar, mas sabe o ponto de partida. Conhece os conflitos que podem surgir, porque foi feito uma pesquisa antes. O Jonas trabalha muito por essa linha. Eu acho sempre mais honesto, mais bacana. Acho até filmicamente mais interessante que quando a gente vá fazer um doc, possamos assumir a equipe. Assumir a interferência. Porque aquela história só aconteceu naquele tempo e naquele espaço daquela forma porque estávamos filmando. Se a gente não estivesse ali, era outra história. Então, nada mais honesto que possamos compartilhar o processo, também.


 HÁ UMA CUMPLICIDADE BEM BONITA ENTRE VOCÊ E O JONAS. O FINAL EU ACHO DE UMA BELEZA ÍMPAR.

Sim, existe uma cumplicidade muito forte. Eu conheço o Jonas há muitos anos. Minha relação com a família 
dele tem dez anos. Desde que eu conheci a mãe dele, fiquei muito próxima.

COMO FOI QUE VOCÊ DESCOBRIU O JONAS?

Há dez anos, a gente ia filmar um curta de ficção junto com o meu coletivo (N.E. O coletivo Plano 3 Filmes). E o curta tinha ver a ver com o universo do circo. E todo mundo perguntava para gente: “Ah, vocês vão fazer um curta felliniano?” E a gente começou a descobrir que tinha uma visão do circo muito presa a Fellini. Muito presa a um universo mais fantástico e a gente queria retratar um circo mais real, nordestino, mais da gente. E aí entramos no carro e viajamos para pesquisar. Íamos visitar três circos em um final de semana. Meio que procurando locações, procurando informações. E foi tão incrível que essa viagem de três circos em um final de semana virou três meses e trinta e cinco circos pesquisados. Na época, eu escrevi muito. Pelo fato de eu reunir muito material, acabei sendo convidada a assumir o Núcleo de Artes Circenses aqui da Secretaria de Cultura. E a família de Jonas morava em um desses circos que  eu visitei. Foi quando conheci a família dele, acompanhei quando eles deixaram o circo e se estabeleceram na Região Metropolitana de Salvador. De certa forma, eu vinha acompanhando o crescimento de Jonas. Até que um dia ele me liga e fala: “Olha, eu tenho uma novidade. Agora eu sou dono de circo. Tenho meu próprio circo e queria te convidar para assistir ao espetáculo.” Aí eu  fui com os meninos do coletivo à casa dele e, nos fundos, tinha um circo armado que ele construiu com o que sobrou desse antigo circo da família. Aquelas arquibancadas velhas, pedaços de lona, uns figurinos. Quando eu cheguei, fiquei muito encantada e já senti que naquele quintal ali tinha um filme. Só não sabia ainda qual era esse filme. Isso eu só descobri depois. Mas tive imediatamente essa sensação de que havia uma história muito legal ali.



HÁ UMA RIMA INTERESSANTE AO OBSERVARMOS O JONAS COMO UM ARTISTA LIBERTÁRIO AO FAZERMOS UMA COMPARAÇÃO DELE COM OS ARTISTAS ORIUNDOS DO AUDIOVISUAL BRASILEIRO E, PRINCIPALMENTE, BAIANO. O MODO COMO ELE É REGRADO PELAS AUTORIDADES DE SUA FAMÍLIA E ESCOLA, QUE TENTAM IMPEDI-LO DE SEGUIR SUA ARTE. VOCÊ TEM ESSA IMPRESSÃO, TAMBÉM?

Tenho, sim. Eu tenho, sobretudo, uma identificação muito profunda com ele. Com a sua história. E me inspira muito no sentido que ele tinha um sonho que era o circo. Ele saiu do circo e conseguiu, sozinho, mantê-lo vivo, ali no quintal de sua casa. E isso não tem como não me inspirar. Porque é a mesmo no meu lugar, no cinema que eu faço. Aqui, eu também dependo, como eu falo no filme, dos meus amigos para fazer. Também é um sonho que sempre tem conflitos, que sempre tem obstáculos. A gente brinca aqui no coletivo que somos todos Jonas. Porque também somos esses meninos que sentavam no fundo da sala de aula. E que também eram cobrados dessa forma. E que até hoje, fazendo cinema em um mundo que te diz todos os dias: “seja médico, seja advogado, faça concurso, tenha um emprego.” Não tem como não ser Jonas e não se identificar neste sentido dos desafios e do que você escolheu para você. Como eu estou conseguindo manter meu sonho vivo, também, o filme, ao mesmo tempo, é um ato de desejar que ele, Jonas, consiga também. E ele está conseguindo. E isso é muito bom.

A CENA DO CONFLITO COM A DIRETORA DA ESCOLA DE JONAS FAZ AQUELE SERMÃO É BEM SIMBÓLICA NESTE SENTIDO.

Sim. O tempo todo a gente enfrentava algum conflito. Porque como a gente estava na escola todos os dias, nós viramos os intermediários. O Jonas aprontava muito. Então, toda vez que isso acontecia, ao invés de ligar para a mãe dele, a diretora ligava para mim, porque eu estava ali, mais próxima. E estes conflitos, ao invés de nos afastar, nos aproximaram muito da dela. Porque ela estava dentro de uma lógica que eu, naquele momento, não concordava, mas que eu conseguia entender. Porque também é muito difícil para o professor, dentro do sistema em que ele está, ser o único individuo que enxerga, que não quer castrar, que quer libertar. Então, também, é difícil quando você entende o sistema inteiro. Foi uma surpresa muito gratificante. Porque a gente filmou muito tempo. Foram dois anos. Quando terminamos, dois anos e pouco depois que tínhamos começado, os personagens já não eram mais os mesmos. Todo mundo tinha amadurecido. Todo mundo tinha um ponto de vista diferente. E teve um dia que ela falou para mim que ela percebia naquele momento, naquele tempo ali, que não só Jonas era ruim para a escola. Mas que, também, a escola era ruim para Jonas. E isso foi maravilhoso. Porque Jonas se transformou, ela se transformou, a gente se transformou. Foi um filme muito intenso e muito transformador para todo mundo.

QUAL É O PRÓXIMO PROJETO AGORA, PAULA?

A gente acabou de filmar um longa de ficção chamado Filho de Boi. É do nosso coletivo. Neste, eu sou produtora e co-roteirista, porque a gente se alterna nas funções. E quem dirige é o Haroldo (Borges) e o Ernesto (Molinero). Filmamos no sertão da Bahia, um processo que foi muito modificado depois de Jonas. É um roteiro mais antigo. Mas depois filmamos Jonas, transformamos o projeto inteiro. A gente está muito apaixonada pelo documentário e buscamos ferramentas para deixar essa ficção com um perfil mais relacionado com documentário. Por exemplo, optamos trabalhar com não atores. Fizemos uma pesquisa enorme para encontrar o protagonista. Entrevistamos 1500 meninos, todos do sertão da Bahia, todos de escola pública e moradores de áreas rurais. E trabalhamos com Fátima Toledo (conceituada preparadora de elenco que se destacou em filmes como Cidade de Deus e Tropa de Elite). Fátima super topou o projeto. Ela veio e fez uma super preparação neste sentido. E o mais legal é que o Jonas fez o filme. Dessa vez, como ator. E também aprendendo uma nova função. Ele quer fazer Cinema após terminar seu último ano da escola. Ano que vem quer fazer vestibular para Cinema. Aqui, ele quis aprender mais e trabalhou, também, como segundo assistente de câmera.



domingo, 12 de março de 2017

Silêncio

(Silence, EUA, 2016) Direção: Martin Scorsese. Com Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson, Yôsuke Kubozuka.


Por João Paulo Barreto

Martin Scorsese traz para Silêncio uma análise de um elemento comum à sua filmografia. Porém, aqui, o aprofundamento de tal questão avança em um patamar ainda maior do que o visto em outros dos seus filmes. Trata-se da culpa católica que vimos, por exemplo, no tormento do Charlie de Harvey Keitel, em Mean Streets, ao brincar com as velas de um altar prevendo como seria quente o suposto fogo do inferno, ou até mesmo a crença cambaleante de um não menos atormentado Jesus ao contestar sua própria fé em A Última Tentação de Cristo.

O tormento dos jovens padres portugueses Rodrigues e Garupe em relação à própria fé, no entanto, reside não somente no receio de que a força na qual eles acreditam possa vir a falhar e que ambos sejam condenados. Aqui, esse medo não é individualista. Pelo contrário. A morte ou a vida de inocentes dependerá da força que ambos possuem em suas crenças. Em Silêncio, a tal culpa extrapola qualquer terreno imaginário dentro da religião e passa a figurar dentro do perigo real e imediato que o ceifar de vidas de pessoas que apenas buscam uma representação e uma fuga para o sofrimento que o seu meio as infringe.

Garupe e Rodrigues em perigoso solo japonês 
Longe de ser um trabalho catequizador, o longa de Scorsese oferece uma reflexão acerca do diálogo entre dois tipos distintos de fé. Não seria correto, entretanto, inserir o budismo, religião pregada no Japão do século XVII e período abordado pelo filme, como sendo a origem de um desses tipos de fé que a obra busca colocar em análise. A filosofia budista em Silêncio não é demonstrada em seus costumes ou hábitos. Apenas o uso dela por tiranos de uma forma a dominar e manter um controle intelectual, físico e financeiro de um povo. Ao colocar o catolicismo como uma saída para aquelas pessoas, o roteiro de Scorsese e Jay Cocks, por sua vez baseado no livro de Shûsaku Endô, não o privilegia como sendo o caminho da salvação para elas. Ele o coloca, sim, como um modo de mudança de horizontes para os camponeses explorados e como um risco de ruína a um amplo e eficiente modus operandi de um sistema de governo.

Contidos com fúria e violência, jesuítas portugueses são torturados e mortos pelo inquisidor japonês na tentativa de expurgar qualquer conceito ou fé católica das pessoas com as quais eles tiveram contato. No entanto, padre Ferreira, vivido por Liam Neeson, é levado de forma a servir como um exemplo mais eficiente da brutalidade com a qual serão contidos os levantes religiosos que contrariem a ordem local. É na busca pelo seu mentor que os jovens Rodrigues e Garupe seguem para o Japão na tentativa de rastreá-lo.

Padre Ferreira têm sua crença sufocada de modo a salvar inocentes

Em uma de suas cenas, vemos o personagem de Andrew Garfield, padre Rodrigues, dialogar acerca da inserção de sua religião em solo japonês. As palavras do inquisidor com quem ele conversa compara países como Inglaterra, Holanda, Espanha e Portugal, falando acerca da pretensa verdade oferecida por cada um deles e do modo como todos possuem interesse em espalhar suas crenças pelo Japão. Em uma eficiente metáfora, o fato de que nada cresceria em um solo pantanoso como o daquele país é posto em evidência. “O que faz da sua verdade algo mais válido do que as dos outros países?”, pergunta o japonês a Rodrigues. Ele apenas sorri respondendo ser aquela a sua única verdade. É uma cena cujo simbolismo prima no demonstrar a insensatez em ambos os lados. O do catequizador, que aqui visa espalhar a palavra bíblica como sendo a verdade, mas sem perceber os reais interesses econômicos por trás de tal invasão religiosa (ou fingindo não perceber), e o do inquisidor, que já conhece o poder de dominação de sua crença e sabe que não pode ousar perdê-lo para nenhum outro tipo de fé, principalmente a oriunda do ocidente. 

Observando o modo como as grandes navegações inseriram a igreja católica como uma instituição multibilionária em todo o mundo até os dias de hoje, não é de causar surpresa o interesse japonês em refutar qualquer tipo de crença oriunda da bíblia em seu solo.

Fé expurgada a qualquer modo
Entretanto, a intenção de Silêncio é outra. O que Scorsese propõe aqui é uma discussão acerca do valor da vida humana acima de qualquer fé. Seja ela ocidental ou oriental. Em cenas cujo primor entrega a longa experiência do cineasta (observe a sequência envolvendo o subir da maré), a elegância estética de Silêncio se equipara com o peso de sua narrativa. É filme denso, no qual o teor de sua reflexão permanece com o espectador durante muito tempo após o subir dos créditos. Ateus ou religiosos encontraram um modo de análise muito pertinente na obra.

Em um impactante momento do filme, vemos o padre Ferreira conversar com Rodrigues enquanto este se lamenta pelo sofrimento de fieis japoneses que seguem torturados e dependentes de uma renúncia do padre. “Não os compare a Jesus. Eles sofrem como ele, mas não têm o seu orgulho. Você não tem o direito de fazê-los sofrer. Eu escutei os seus lamentos de sofrimento desta mesma cela onde você está preso agora. Eu escolhi agir.” Ao final, é justamente esse tipo de reflexão que Silêncio nos faz exercer. A vida está acima de qualquer crença. De qualquer fé.

Rodrigues pergunta ao seu deus se está rezando para o silêncio. A resposta lhe ocorre de modo, ao mesmo tempo, tenro e brutal. Ações e razão se sobrepõem à qualquer supostamente inabalável fé.


quarta-feira, 8 de março de 2017

Kong - A Ilha da Caveira

(Kong: Skull Island, EUA, 2017) Direção: Jordan Vogt-Roberts. Com Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John C. Reilly, Toby Kebbell.


Por João Paulo Barreto

Diferente das abordagens anteriores acerca do macaco gigante a viver na ilha perdida, onde um variado número de criaturas (horripilantes ou não) também sobrevive, Kong – A Ilha da Caveira se destaca por equilibrar de modo exemplar dois tipos distintos de filmes em seu desenvolvimento.

Além de ser uma ótima aventura, que consegue explorar os diversos elementos fantásticos que o seu cenário pode oferecer, traz acertadamente um plot relacionado com filmes de guerra (mais precisamente a do Vietnam), algo que por si só já consegue criar uma eficiente atmosfera para seu enredo, unindo, assim, um visual que remete a clássicos como Apocalipse Now, além de partilhar uma trilha sonora soberba no que tange aos pilares do rock setentista.

No citado enredo, cientistas liderados por um quase magro John Goodman descobrem via fotos de satélite (algo totalmente inventivo para a época) a tal ilha. Na corrida contra os russos durante a Guerra Fria, conseguem, através de Washington, destacar um grupo de soldados do Vietnam para acompanhá-los (com um fanático Samuel L. Jackson à frente), juntamente com um experiente rastreador (Hiddleston, na figura alfa de sempre em produções do tipo) e uma fotografa talentosa (Larson) que, de modo convenientemente menos exagerado que nas versões anteriores, representará o objeto de afeição do gorilão.

Hiddleston e Larson - nomes de peso a representar os públicos masculino e feminino
Com impactantes cenas de guerra, como aquela que traz o protagonista título contra um grupo de helicópteros que bombardeia a ilha, o longa diz a que veio logo em seus primeiros momentos de exploração da ilha, deixando de lado a extensa apresentação e contextualização dos seus personagens para, de fato, mandar ver no caos em absortas sequências de destruição nas quais árvores são usadas como mísseis contra as aeronaves e as sucatas logo viram pedaços de papel sendo rasgados pelo macaco.

Diferente da decepcionante versão dirigida por Peter Jackson em 2005, na qual os defeitos em CGI pareciam ganhar mais destaque aos olhos do espectador do que a própria história em si (lembram da famigerada corrida com dinossauros?), Kong – A Ilha da Caveira soube apresentar um competente trabalho de composição das cenas de luta envolvendo o gigante primata e as tais criaturas. Momentos como o que ele briga com um polvo (para em seguida devorá-lo) ou quando enfrenta espécies de lagartos gigantes (ou lagartos de caveira, como explica a válvula de escape vivida por John C. Reilly em momento hilário) denotam justamente o esmero da produção na criação digital dos elementos.

Efeitos visuais eficientes impressionam
Explorando de modo eficiente, também, as diversas possibilidades que a ilha em si pode oferecer em termos de outras aparições horripilantes, incluindo aranhas gigantes e pássaros jurássicos, o desenho de produção do filme se destaca por conseguir construir uma ambientação a causar o obrigatório desconforto no espectador, como quando um dos tais lagartos vomita um crânio parcialmente digerido ou quando uma pata pontiaguda serve como instrumento para empalar um soldado.  

Apesar da insistência em fixar a imagem de Hiddleston com o herói destemido da trama (o momento em que ele derruba diversos pássaros com uma espada constrange por sua falta de sintonia), Kong possui bons personagens e a presença feminina de Brie Larson a coloca em cena de modo a não forçar uma falsa fragilidade, algo que, a propósito, a sua Mason Weaver não carece demonstrar.

Com uma cena pós crédito reveladora, Kong- A Ilha da Caveira parece querer iniciar uma promissora franquia para o cinema de monstros. Lembrando a mediana tentativa de trazer de volta Godzila em 2014, ver uma conhecida silhueta na fotografia exibida por um personagem, de fato, empolga.