Graças a Deus

A omissão da igreja colocada em xeque 

Com o pungente Graças a Deus, diretor francês François Ozon 

cria teia investigativa contra a pedofilia no clero

Por João Paulo Barreto

Dono de uma filmografia diversificada e que não se atém a um único estilo (até um tanto irregular, mas não o caso aqui), o diretor francês François Ozon constrói em Graças a Deus uma estrutura quase documental de cinema. Ao trazer a investigação baseada em fatos reais que sobreviventes de abusos sexuais perpetrados pelo padre Bernard Preynant ( que nos anos 1980 era responsável por acampamentos de férias e catequeses com jovens de até 15 anos de idade), Ozon traz uma análise da dor e do trauma em diferentes níveis e marcas deixadas em cada vitima com que o pároco teve contato durante o período.

Trata-se de uma obra dolorosa, mas que se mantém lúcida por não se deixar levar pela manipulação do drama ou pelo maniqueísmo em sua abordagem. Do mesmo modo, consegue atrelar um equilíbrio curioso no adentrar nas questões de fé que seus personagens trazem consigo. A começar pela figura de Alexandre Guérin (vivido por Melvil Poupaud). Pai de cinco filhos, católico praticante, Guérin foi vitima de abusos sexuais por parte do padre e é ele quem inicia a avalanche de denúncias contra o representante da igreja. Ozon dedica seu primeiro ato quase todo à busca do homem em seguir adiante com sua luta por justiça e alertar em relação à presença atual de Preynant na instituição católica como um dos seus mais prestigiados membros.

Alexandre Guérin em sua busca por justiça

SOBRIEDADE E PRAGMATISMO

Ao abordar em sua queixa formal a omissão de bispos e cardeais diante da presença de alguém com o histórico do padre em questão, Guérin demonstra, em certos momentos, sua relação de afinidade com a religião na qual fora doutrinado, mantendo-se fiel aos seus preceitos e considerando a importância daquele legado para seus filhos, estando dois deles às vésperas de passar por rituais cristãos, como crisma. Personagem de maior profundidade dentre todos os construídos por Ozon, Guérin traz em sua relação com a religião uma separação, apesar de não muito digna aos olhos de um ateu como eu, compreensível perante a importância que o catolicismo tem em sua vida. E é pertinente observar a maneira sóbria e pragmática com que o homem separa o trauma sofrido da fé com que se alimenta através da igreja, mesmo tendo em sua vida uma chaga perpetrada por um de seus representantes (o momento em que este questiona os atos do padre, hoje um idoso, é um dos mais potentes do filme, inclusive).

Remetendo ao premiado Spotlight e dividindo o foco de seus 137 minutos com outras vitimas de Preynant, construindo, assim, um rico quadro investigativo, Ozon revela a reflexão que Graças a Deus propõe de maneira pungente, colocando cada personagem diante do encontro com o passado e da dor que se esforçavam para manter adormecida. Assim, quando vemos o atormentado Emmanuel Thomassin (vivido por Swann Arlaud) sofrer o choque representado por um ataque epilético na “simples” leitura de um artigo de jornal que aborda o caso de pedofilia, percebemos o quão dilacerante é aquele reencontro. E mesmo tendo uma subtrama descartável e mal desenvolvida que traz os problemas conjugais com sua namorada, seu arco se apresenta de maneira pesada para o espectador por perceber as marcas que seu futuro trouxe após o contato com o padre.

Da mesma maneira, quando François Debord (o conhecido rosto de Denis Ménochet, de Bastardos Inglórios e Custódia),um dos idealizadores do grupo de pessoas em busca de justiça, precisa desligar o telefone pedindo desculpas a uma das vitimas que perdera o controle emocional ao simplesmente ouvir o nome do padre Preynant, percebe-se como o inflamar daquelas chagas ainda perdura. Debord, inclusive, representa bem o modelo díspar de relação com a religiosidade que Guérin traz. Ateu, o homem não mede qualquer esforço para tornar evidente a negligência da igreja perante o caso, cogitando até mesmo desenhar um pênis com fumaça no céu sobre a catedral da cidade para propagar o caso para todos. Uma cena que prima pelo humor nonsense, mas pertinente.

O grupo de vitimas comemora uma vitória no caso

MANIQUEÍSMO AUSENTE

Em um ponto que pode causar certo desprezo ao espectador imediatista, mas que demonstra bem a citada ausência de maniqueísmo e parcimônia na construção do roteiro de Ozon, o cineasta insere, também, a figura do próprio réu naquele caso. Na presença do veterano Bernard Verley na pele do padre Bernard Preynant, uma oportunidade para se observar como a estrutura do texto de Ozon busca uma abordagem completa do caso, colocando, sim, a figura de Preynant como um pedófilo cuja punição é urgente, mas, da mesma forma, oferecendo ao espectador uma oportunidade de avaliar o homem distante de conflitos rasos entre bem vs. mal ou como um antagonista superficial.

Assim, quando ouvimos a fala de Preynant admitindo sua culpa e deixando claro sua “fraqueza” diante da presença de crianças, bem como o fato de que o mesmo chegou a informar sua impulsividade aos seus superiores na igreja, percebe-se que Ozon não busca suavizar as monstruosidades perpetradas pelo homem, mas, sim, permitir ao espectador adentrar, também, na mente daquela figura deprimente. E isso sem necessariamente se render a embates que relativizem os fatos ou construir seu personagem de maneira unidimensional. E, obviamente, de maneira alguma tornando menos graves tanto suas atrocidades quanto o silêncio oportunista do clero, brilhantemente representado pelo texto de Ozon ao ilustrar o título do filme em uma fala oriunda de maneira grotesca a partir de um dos seus membros.

Ozon entrega em Graças a Deus uma análise não somente dos traumas que os atos contra crianças perpetraram para sempre em suas vidas. Ao usar a fé alheia de pessoas com personalidades ainda em formação e de fácil manipulação, os crimes de Preynant, tendo o acobertamento da instituição religiosa que representa, denotam de maneira precisa o modo como a manipulação maligna através religião é um dos maus que qualquer credo pode possuir. E isso não atinge somente casos extremos como o visto aqui, mas o sequestro de opiniões e de mentes colocadas sob o cabresto do não questionamento e da aceitação. Diversos são os “lideres” e “mitos” que se sustentam através disso.   

*Texto originalmente publicado no Jornal A Tarde, dia 20/06/2017

Dor e Glória

O reencontro intimista de Almodóvar

Em Dor e Glória, diretor espanhol acerta ao abordar o cinema 

como meio de cura dos tormentos físicos e mentais

Por João Paulo Barreto

Reminiscências e mergulhos concretos no passado. Momentos de reflexão oriundos da busca por um acalmar da dor física e mental, e o seu consequente encontro com a glória de uma vida passada a limpo. Um homem em busca de uma redenção intima. De um perdão a ser-lhe concedido por si mesmo pelos erros cometidos em sua trajetória. É no encontrar-se com as dores da velhice, com a fragilidade evidente de seu corpo, mas, também, com a força que ainda parece possuir em sua mente, que este homem alcança tal redenção. É disso que é feito Dor e Glória, o mais recente filme de Pedro Almodóvar. De um constatar preciso das próprias fraquezas e uma tentativa não somente de conviver com elas, mas uma busca pelo equilíbrio  que ainda pode existir naquele caminhar.

Em sua cena de abertura, seu protagonista, Salvador Mallo (Banderas, indefectível), um cineasta consagrado que se reencontra com uma de suas obras trinta anos depois de seu lançamento, está em uma piscina, silenciosa e calma. Na cicatriz em sua coluna vertebral, nota-se uma história de batalhas, sendo a mais recente, pela sua saúde. Através de seu próprio nome, uma pista da abordagem de Almodóvar perante aquele personagem aparentemente autobiográfico. É justamente a si mesmo que o homem busca salvar. Em suas lembranças da infância, quando dividia uma catacumba como lar junto a sua mãe e pai, e quando a acompanhava na cantoria do lavar dos lençóis em um lago, Salvador vai encontrando aquele conforto fugaz. Tão fugaz quanto o conforto que pensa encontrar na heroína, droga que alivia suas constantes dores nas costas, mas não colabora com sua apreensão mental.

Salvador e sua epifania física e mental

SOLIDÃO E REENCONTROS

Aquele desenhar calmo do homem em seu momento de introspecção mergulhado no silêncio da piscina define exatamente o modo como Salvador busca, quase que em vão, viver. Quase, pois, à medida que seu mergulhar com as dores do passado se descortina, mais fundo ele parece estagnar. Sua vida presente denota uma trajetória de solidão, algo que o texto de Almodóvar constrói de forma precisa. “Moro com meus quadros. São eles quem me fazem companhia”, explica Salvador. Um modo ermitão de viver que se percebe como consequência de suas dores. Paulatinamente, o homem segue em um reencontro com sua juventude. Algo que parece lhe trazer certo conforto. Na não superação da perda de sua mãe, um sinal da razão para se prender àqueles dias antigos, quando um talento para o canto o levara a fazer parte de um seminário, única opção para se estudar sendo ele oriundo de uma família pobre.

Neste momento, Almodóvar não deixa de se valer da observação crítica da educação católica, quando coloca o pequeno Salvador negando qualquer vocação para a batina, ou quando sua versão adulta explica a omissão do colégio em, por conta do seu talento musical, aprová-lo nas matérias básicas sem que ele apresentasse resultados. Os flashbacks de Salvador, ainda criança, aliás, cria uma bela analogia ao despertar, mesmo que fugaz, de sua sexualidade, quando desmaia por conta de uma visão atrelada a um sinal de insolação. Na sua versão adulta e repleta de feridas que sua frágil saúde lhe trouxe, um brincar com o ateísmo e fé diante do modo como as adversidades se apresentam. “Nos dias em que mais sofro, rezo a Deus. Nos que a dor é menor, sou ateu”.  É quando o diretor espanhol mais precisamente define o desespero de Salvador.

Nessa ligação com a sua infância, inclusive, é perceptível e precioso o modo como Almodóvar constrói a relação de seu protagonista com aquela fase de sua vida. Aqui, em sua notória paleta de cores, quando o vermelho se sobressai, é para justamente separar uma fase em que Salvador está ainda mais abalado. E o contrastar dessa paleta às estampas que usa nos flashbacks com sua mãe já idosa (vivida pela veterana Julieta Serrano, em um belo reencontro com Banderas) ou quando recebe um amigo de sua juventude em um momento que lhe injeta um ânimo preciso, dá ao espectador a dimensão de como a ligação com o passado é pungente para Salvador.

Lembranças e reminiscências de sua infância 

SUFOCAR OPRESSOR

Aos poucos, ele se desliga daquela fase. E em suas roupas que o levam exatamente ao período de sua infância, um reflexo dessa ligação. Quando já não tem mais nada a que se segurar e o encarar doloroso de sua atual condição de saúde física e mental lhe oprime, o modo como Salvador se apresenta é no pesado vermelho a revelar não uma paixão por qualquer coisa, uma das marcas do diretor, mas um desespero opressor. Um sufocar contínuo do homem diante dos dias que vão se prolongando à sua frente. E isso é algo que Almodóvar inverte de modo perspicaz nesse encarar intimista de uma trajetória de vida.

No uso do cinema como modo de reconstrução de suas memórias, Pedro Almodóvar, apesar de não trazer aqui uma assumida autobiografia, coloca, assim mesmo, sua labuta como forma de salvação. Fazer filmes, criar histórias, registrar trajetórias, é o que o leva para frente. Em Dor e Glória, uma oportunidade, também, para o realizador brincar com a pretensão autoral dentro dessa mesma labuta, quando, em um bate papo pós exibição de seu filme mais marcante, insere um momento hilário em torno da ausência do próprio diretor no debate após a sessão.

É justamente no cinema que Almodóvar se apóia e coloca seu alter ego na figura de Banderas como alguém que, da mesma forma como ele, utiliza a Sétima Arte como forma de salvação. E o brilhante momento em que a última cena revela a origem das lembranças de Salvador, é quando percebemos como a criação cinematográfica foi capaz de retirar aquele homem daquela espiral. Mas, isso, claro, até a próxima batalha surgir. No entanto, para tanto, haverá sempre a possibilidade de exorcizar-se através dos filmes.  

 *Texto originalmente publicado no Jornal A Tarde, dia 16/06/2019

Escorpião - Teatro/Filme

Escorpião – Texto de Felipe Greco. Encenação de Marcus Lobo. Com Duda Woyda e Gleison Richelle.

Por João Paulo Barreto

Na junção entre cinema e teatro que Escorpião, em cartaz até amanhã no Teatro Vila Velha, uma instigante maneira de observar como essas duas artes são capazes de se mesclar. Dentro de uma proposta que aborda o aspecto diegético do cinema, no qual imagem e som reais de um tablado reverberam para dentro da tela que projeta imagens fílmicas de sua narrativa, o texto de Felipe Greco, juntamente com a encenação de Marcus Lobo, ganha uma força tremenda. Ao abordar a violência do pretenso macho dominador, inseguro em sua paranóia, mas repleto de uma truculência típica, somos levados a um roteiro de vingança que provoca o espectador de maneira a lhe colocar diante de uma reflexão que, infelizmente, se torna a cada dia mais evidente no Brasil de 2019.

A ideia de colocar seus protagonistas em uma constante interação entre teatro e cinema, no qual a projeção utiliza o próprio palco como um exercício de quebra da quarta parede, concede a essa montagem possibilidades imensas. Em certo momento, por exemplo, uma alucinação contida, obviamente, apenas na mente de seu protagonista se desenha diante dos olhos do público a partir de uma projeção. Ambos se confrontam e este é não somente um dos símbolos dessa simbiose entre as duas artes, mas uma percepção de como a ilustração e já citada mescla entre ambas se equilibram de maneira eficiente.  

Na história de um assassinato, fuga, esconderijo, cativeiro físico e mental e entrega física e emocional entre dois protagonistas, uma desconstrução de ambos é apresentada gradativamente ao público presente. No constante trocar de roupas sujas, não é apenas a imundice física que a presença agressiva de Boris (Duda Woyda) se faz notar, mas, também, uma constante (e inútil) tentativa de se purificar. Mas, curiosamente, a insistência para que este se troque, se cuide, se alimente, parte de Edu (Gleison Richelle), que, ao final, se demonstra como uma forma não só de proteção, mas de manipulação. Aqui, o nome do espetáculo remete não somente a uma tatuagem ou a um apelido, mas a uma característica animal, que, no final, revelará sua verdadeira natureza.

Remetendo às clássicas obras da Boca do Lixo, Escorpião é pungente como seu próprio nome entrega. Na continuação e desfecho que o espectador encontra ao assistir ao curta metragem indicado como sequência do espetáculo, um pouco dessa ambientação que nos leva a Carlão Reichenbach, Andrea Tonacci e o cinema da Boca.

Aqui, uma obra que instiga por sua violência a nos levar a uma reflexão. Que nos provoca por sua crueza física. Mas que traz uma análise precisa dessa mesma violência como modo pernicioso e nocivo de dominação.

X Men: Dark Phoenix

Fênix sem brilho

Ao não ousar em seu capítulo final, franquia dos X-Men 

decepciona em despedida com obra simplória e formulaica

Por João Paulo Barreto

Resumir a criação dos X-Men tanto nos quadrinhos da Marvel Comics quanto nas suas adaptações para o cinema como simples aventuras maniqueístas de super-heróis contra vilões com ímpetos de dominação mundial é soar bastante reducionista. Tendo sua gênese baseada nos escritos e desenhos oriundos das mentes de Stan Lee e Jack Kirby nos anos 1960, período no qual questões políticas voltadas para discussões raciais eram evidentes, e o pensamento de nomes como os de Malcolm X e Martin Luther King dividia grupos de suporte às causas, os dois autores inseriram em seus personagens mutantes dramas que se assemelhavam aos mesmos que se evidenciavam e se agravavam a cada dia nos Estados Unidos de então (e nos de hoje, com um xenofóbico racista ocupando a Casa Branca, ainda mais). 

Seus antagonistas principais, inclusive, eram variações dos dois líderes negros de então, sendo Charles Xavier uma representação da paz sem violência pregada pelo Dr. King e Eric Lehnsherr, o Magneto, um espelho do direito de defesa através do uso da “inteligência pela violência” que Malcolm X pregava. Assim, quadrinhos que pareciam simplistas em seus arcos originais de então (convenhamos, eram um tanto simplistas em certos pontos de suas narrativas, de fato), escondiam uma discussão muito maior que ilustrava a importância de se discutir o racismo como uma chaga aberta na sociedade.

Sophie Turner: limitações dramáticas não colaboram para um aprofundar da personagem

Porém, a discussão social dentro dos quadrinhos dos X-Men só se tornou mais palpável a partir do momento em que nomes como os de John Byrne e Chris Claremont assumiram seu título nos anos 1970, e seguiram durante a década seguinte, quando histórias como Deus Ama, O Homem Mata, que serviu como pano de fundo para o filme de 2003; Dias de um Futuro Esquecido, também adaptada para o cinema; e A Saga da Fênix Negra¸que agora chega às telas, foram escritas. Em seu material original, a dosagem exata de um drama social e político acerca da aceitação e da tolerância dentro de um universo fantasioso de super-heróis, ajudava a criar para os jovens leitores uma noção precisa do fato de que tinham em mãos, apesar de sua aparência ingênua de gibi, um denso retrato da sociedade em que viviam.

Assim, ao se valer dessa base narrativa, os produtores da franquia cinematográfica conseguiram, no decorrer de quase vinte anos, construir, entre acertos bem vindos e erros grotescos, uma série de obras que, apesar de sua irregularidade, primava por deixar claro essa discussão tão bem inserida nas páginas originais dos quadrinhos. Uma pena que um desses erros tenha sido apresentado justamente no último exemplar sob a alçada da 20th Century Fox (os direitos para o cinema foram adquiridos pela Disney/Marvel Studios, que reformulará toda a franquia).

TERRENO RASO    

Utilizando um roteiro que peca, em parte, pelo não desenvolvimento de sua protagonista (Jean Grey, a Fênix Negra do título, vivida por Sophie Turner), o filme escrito e dirigido por Simon Kinberg, roteirista de outros exemplares da série, insere seus conflitos dentro de uma proposta bem idealizada, com a premissa de uma descoberta de rejeição atrelada a um trauma de infância que ressurge na fase adulta de forma furiosa. Desenvolvendo sua personalidade maligna representada pela entidade Fênix com bem vinda fidelidade à história em quadrinhos original - na qual também vemos a origem da entidade através de uma suposta tempestade solar-, o impacto de sua aura vil pode até não alcançar o nível emocional merecido (Turner se esforça, mas o pouco tempo e sua limitações dramáticas não permitem muito àquele desenvolvimento), mas nada se compara em termos de superficialidade e preguiça autoral à escolha do bando de alienígenas como sendo os antagonistas que seguem no encalço da mutante.

Jessica Chastain mau aproveitada em personagem de diálogos expositivos e sem aprofudamento

Vivida por uma desperdiçada Jessica Chastain, a figura da alien que surge como líder de um grupo de transmorfos a assumir a forma humana e perseguir Jean Grey em busca do seu poder, denota justamente a proposta de uma obra reducionista e simplória abordada no inicio dessa crítica. A partir do momento que a ideia de adentrar mais uma vez em um bem desgastado território que já havia sido trazida para as telas em outras nove produções (contando com o primor Logan, de 2017), caberia ao desenrolar desse antagonismo uma abordagem mais aprofundada dentro das possibilidades que os temas que a saga dos X-Men é capaz de alcançar. Principalmente sendo este o capítulo final.

No entanto, o que vemos é uma repetição de perseguições em momentos que, apesar de visualmente impactantes (os efeitos especiais são muito eficientes, juntamente à trilha sonora do mestre Hans Zimmer), carece de algo além de apenas lutas, tiros e curas instantâneas em uma aventura cujas tentativas de oferecer momentos trágicos não geram o impacto planejado à trama. Assim, quando importante personagem morre, o que causa ao espectador não é choque, mas, sim, a percepção de que aquilo soou mais como uma exigência por parte de seu interprete. Fica apenas o desdém.

Sim, já houve discussões mais densas em outros exemplares da franquia, mas resumir o filme de despedida a um mero jogo entre vilões e heróis sem muito a oferecer além de pancadaria é algo que decepciona dentro de uma série que teve mais altos que baixos. Torcer pelo que a Disney/Marvel Studios fará com tão amados personagens dos quadrinhos.

*Texto originalmente publicado no Jornal A Tarde, dia 07/06/2017

Anos 90

A adolescência como experimentação e expurgo

Em Anos 90, ator Jonah Hill estreia na direção com eficiente 

relato da fase de transformação adolescente

Por João Paulo Barreto

Ao imaginar uma estreia do ator Jonah Hill como diretor de longas metragens, a primeira ideia comum que viria à mente seria em algo ligado às comédias que o lançaram, como o adorável Superbad, a mescla de ação com comédia do remake de Anjos da Lei ou uma abordagem doentia de um personagem no limiar da violência psicótica de algo como o seu Donnie, de Lobo de Wall Street, ou o Efrain, de Cães de Guerra. No entanto, com Anos 90, o roteirista e diretor que assume é um Jonah Hill capaz de trazer uma história cuja delicadeza e a doçura infantis rima com a brutalidade da descoberta de uma áspera adolescência.

Ambientado nos anos 1990, como entrega seu título, a obra insere os elementos comuns ao período, quando adolescentes colecionavam CDs e não tinham suas caras enfiadas em telas de smartphones durante todo o período desperto do dia. Mas o filme foge da armadilha artificial de criar para o espectador que viveu aquele período uma proposital série de comparações ou um mergulhar nostálgico na década de 25 anos atrás. Claro, aqui e acolá aparecem imagens de Beavis and Butt-Head ou a trilha sonora do Seal cantando Kiss from a Rose que lhe farão perceber que 1995 foi há muito tempo. Mas tudo isso é dosado de forma eficiente para que permita ao público um desbravar daquele período de amadurecimento não como um voyer, mas, sim, pelos olhos do seu protagonista, o pequeno Stevie (Sunny Suljic), que tem em sua visão infantil do mundo que lhe cerca algo que vai contrastando com as experiências que suas novas amizades vão lhe oferecer.

ESPIRAL DESCENDENTE

Saliento que o filme não se propõe a ser um novo Kids em sua abordagem de adolescentes em contato com drogas, sexo e traumas. O que Hill sugere aqui é analisarmos como o crescimento de Stevie vai empurrando-o em uma espiral descendente, mas que não tira do garoto toda sua inocência e beleza atrelada ela. Assim, quando o vemos apanhar violentamente do irmão mais velho, Ian (Lucas Hedges, se confirmando como um dos melhores atores de sua geração) para, logo depois, desobedecer a sua ordem direta de não adentrar em seu quarto, notamos que o amor infantil e admiração contida que tem por ele só não são demonstradas por conta da animosidade típica do adolescente mais velho. E Hill ilustra isso de forma tocante quando coloca o jovem anotando os nomes dos artistas da coleção de CDs de Ian ou buscando as referências dos pôsteres nas paredes e das revistas dentro do quarto. E lá está o momento em que aquela doçura que logo se perderá se torna evidente quando o caçula entrega ao irmão, que até admira em certo nível, um CD de presente de aniversário.

Irmãos: Ausência de empatia transformada em violência 

Colocando tais situações como ponto de atração pelo seu protagonista, o filme se constrói ao redor daquela gradativa perda da pureza e ganho de uma malícia nociva que parecem não características a Stevie. E são os momentos em que aquela sua doçura prevalece que nota-se a intenção da construção temática do roteiro de Hill. Como quando o garoto agradece uma gentileza e é recriminado por considerarem o ato de agradecer como “coisa de gay”. Ou quando sua felicidade extravasa ao ser requisitado pelos seus novos amigos skatistas a encher uma garrafa com água. Ou, ainda, quando é seduzido por uma adolescente um pouco mais velha que ele e se torna o ídolo dos companheiros também mais velhos. “Você está na fase de que ainda não é um completo idiota”, diz a jovem antes de arrastá-lo para o quarto. Definição precisa.

Nas figuras perdidas dos skatistas que Stevie passa a idolatrar, a imagem de adolescentes com traumas familiares ainda mais graves. E o contraste de suas histórias de vida com as experiências que Stevie ainda pode enfrentar são momentos tocantes. Assim, é com tristeza que vemos um deles fingir que vai para casa, mas disfarça ao não entrar para que só possa chegar quando a mãe violenta já estiver dormindo. Do mesmo modo, a figura de “Quarta-série”, que tem esse apelido por ser considerado burro pelos amigos, ao perceber-se como alguém cuja personalidade introvertida lhe é algo a ser superado, mas que acaba sendo um traço inevitável. E vê-lo demonstrar seus sonhos de se tornar cineasta ao filmar os amigos em suas manobras é um modo de tornar ainda mais profunda a reflexão acerca daquele grupo de garotos sem um rumo, mas com um futuro que pode ser brilhante.

No caos emocional de sua fase de puberdade, Stevie se transforma em alguém que beira ao trágico diante do turbilhão emocional que crescer passa a representar para si mesmo. Na imagem desesperada de uma descabida e desajeitada tentativa de suicídio ou quando o, até então, tenro contato com sua mãe se torna algo explosivo, a percepção de que aquele período pode se transformar em algo deveras perturbador só cai por terra quando os laços de uma amizade positiva entre aqueles que lhe trouxeram tantas novas experiências se confirmam. Momento cujo trágico se avizinha, mas, mesmo com cicatrizes profundas, acaba superado. Exatamente como a adolescência.

*Texto originalmente publicado no Jornal A Tarde, dia 02/06/2019